I strongly believe in blending abstract and real- istic elements in my paintings to evoke mood and movement. Through abstraction, I capture general shapes and forms, allowing the watercolour to flow freely with minimal control, embracing the beauty of its spontaneity. Realism emerges subtly, with forms suggested rather than fully defined and minimal details that avoid a literal interpretation of the sub- ject. I like the viewer to connect the dots rather than having everything spelled out. This creates a more emotive and atmospheric experience in each piece.
Jacqueline Gnott
Ik geloof sterk in het combineren van abstract en realistiche elementen in mijn schilderijen om stemming en movement op te roepen. Door abstractie leg ik generaal de vormen vast , waardoor de verf vrij kan stromen met minimale controle, omarmd de schoonheid van zijn spontaniteit. Realisme komt subtiel naar voren, met vormen die gesuggereerd worden in plaats van volledig gedefinieerd en met minimaal details die een letterlijke interpretatie van de sub-ject vermijden. Ik vind het leuk dat de kijker de punten verbindt in plaats vanalles gespeld hebben. Dit creëert een meer emotionele en sfeervolle ervaring in elk stuk.
In my view, light is essential to defining a paint- ing. By carefully controlling the intensity of shadows, I can amplify the light, bringing vibrancy and life to both marine and urban scenes. I often leave areas of the paper untouched to preserve bright highlights in key focal points. At times, I also lift paint to soften edges, a technique that is especially important when….
In mijn ogen is licht essentieel voor het definiëren van een schilderij. Door de intensiteit van schaduwen zorgvuldig te controleren, kan ik het licht versterken en levendigheid en leven brengen zowel mariene als stedelijke taferelen. Ik laat vaak gebieden van het papier onaangeroerd om heldere highlights te behouden in de belangrijkste aandachtspunten. Soms lift ik ook verf om randen zacht te maken,
Her tips for a dynamic approach to watercolour landscapes Let go and approach each brushstroke with confidence – it’s a skill that develops with practice. Keep the big picture in mind and avoid being too literal in your approach. Painting loosely brings a sense of freedom and enjoyment and in this process, there truly are no mistakes.
Lyudmilla Clark
Haar tips voor een dynamische benadering van aquarellandschappen. Laat los en benader elk penseelstreek met vertrouwen– het is een vaardigheid die zich ontwikkelt door te doen.. Houd het grote plaatje in gedachten en vermijd te letterlijk te zijn in uw aanpak. Losjes schilderen brengt een gevoel van vrijheid en plezier in dit proces, er zijn echt geen fouten.
conveying drama and excitement in my work, always keeping details to a minimum. Even with intricate scenes, I concentrate fine details in select areas, leaving the rest loose and open to create a balanced rhythm between quiet and busy elements.
drama en opwinding overbrengen in mijn werk, beperk altijd details tot een minimum . Zelfs met ingewikkelde scènes, ik concentreer fijne details op geselecteerde gebieden, de rest laat ik los en open om een evenwichtig ritme tussen rustige en drukke elementen te krijgen
.Her creative process in 7 key steps
1. I start each watercolour with a light, minimal sketch using a soft pencil – just a few lines to mark the placement of key elements. Overdrawing can easily compromise the spontaneity I aim for in my work, so I keep the initial sketch as simple and loose as possible.
2. I often squint, whether working from a photo or painting en plein air, to distil the scene into its essential shapes, light, and shadow, rather than focusing on concrete details at this stage.
3. Using a large 2-inch brush with ample water, I establish the large shapes and composition, setting the groundwork with broad, fluid strokes.
4. In the next stage, I begin intensifying the darkest values, creating a hierarchy of importance without overwhelming the piece.
5. Throughout each stage, I’m mindful to preserve the paper’s natural white to highlight focal points and maintain a sense of light.
6. Finally, I add just enough detail to suggest realism without sacrificing looseness and I incorporate spontaneous lines, splatters, and marks with my rigger brush to evoke movement and energy. This balance between abstraction and suggestion creates a dynamic finish that captures the essence of the scene.
7. At the very end, I sometimes add a very bold touch to unify the painting and introduce an exciting accent colour.
Haar creatieve in 7 belangrijke stappen1
. Ik begin met elke aquarel met een lichte, minimale schets met behulp van een zacht potlood – gewoon een paar regels om sleutelelementen te plaatsen. Overtekenen kan gemakkelijk de spontaniteit verminderen die Ik nastreef in mijn werk, dus ik maak de initiële schets zo eenvoudig en los als mogelijk.
2. Ik loens vaak, of dat nu is bij werken vanaf een foto of schilderen en plein air,om de scène in zijn geheel te destilleren in essentiële vormen, licht,en schaduw, in plaats van te focussen op concrete details in dit stadium.
3. Met behulp van een grote 2-inchborstel met voldoende water leg Ik de grote vormen vast en de compositie, de basis vastleggend met brede ,vloeiende streken.
4. In de volgende fase begin ik met het intensiveren van de donkerste waarden, een hiërarchie creërend van belangrijkheid .
5. Gedurende elke fase, ben ik me ervan bewust dat ik het natuurlijk wit van het papier wil vasthouden in de focuspunten en een gevoel van licht wil vasthouden.
6. Tot slot voeg ik er nog genoeg detail aan toe om te realisme suggereren zonder de losheid op te offeren en ik breng spontane lijnen, spetters met mijn riggerborstel om beweging op te roepen en energie. Dit evenwichttussen abstractie en suggestie creëert een dynamische afwerking die de essentie vangt van de scène.
7. Helemaal aan het einde, voeg ik soms een heel vet touch toe aan om eenheid van het schilderij te versterken en introduceer ik een spannende accentkleur.
3 tips for capturing the essence of a flower
• My main advice would be: observation. Take your time and admire the beauty of the flower you have chosen. There’s a symmetry and essence in every flower. Think and ask yourself why you particularly like it. Find information about it.
• My next piece of advice would be: to connect with your emotions and practice. Try to relax and enjoy the creative process. Remember: You don´t have to copy others and you don’t have to paint a photo. Just be yourself and have fun doing so. You may even discover something new about yourself.
• My final piece of advice: Practice whenever you can. Keep an open learning attitude, but find the things that work for you. Always be a student.
Kyra Mamontova
3 tips voor het vastleggende essentie van een bloem
• Mijn belangrijkste advies zou zijn:observation. Neem de tijden bewonder de schoonheid van de bloem die je hebt gekozen. Er is een symmetrie en essentie in elke bloem. Denk en vraag jezelf waarom de bloem je bevalt. Vind er informatie over.
• Mijn volgende advies zou zijn: om verbinding te maken met uw emoties en oefening. Probeer om ontspannen en te genieten van het creatieve proces. Onthoud: dat doe je niet voor anderen en je hoeft geen kopie van de foto te schilderen. Wees gewoon jezelf en heb plezier. Misschien ontdek je zelfs iets nieuws aan jezelf.
• Mijn laatste advies: Oefen wanneer je maar kunt. Houd een open leerhouding aan,maar vind de dingen die werken voor jou. Wees altijd een student.
Painting skin tones 1. It is important to recognise that skin tones are not a single colour; they encompass a spectrum influenced by the light and surroundings. For instance, reflected colours from clothing or ambient light can subtly alter the skin’s appearance, so I pay close attention to these nuances, sometimes with a touch of exaggeration to enhance the painting’s vibrancy and mood . 2. I also take into account the natural variations in different areas of the face. For example, the ears often exhibit a reddish hue due to their translucency, while the cheeks of lighter-skinned individuals may show warmth. Additionally, freshly shaven skin on men might reveal bluish or greenish tones beneath the surface, which I thoughtfully incorporate into my work. 3. When mixing skin tones in watercolour, I start by creating a balanced orange tone through a combination of yellow and red. This orange serves as the foundation. From there, I add a small amount of blue to darken the colour, giving it a more brownish tone. If I need a more reddish or yellowish hue, I adjust the amounts of red or yellow accordingly, based on the skin I’m referencing. This simple method of altering ratios allows me to produce a wide variety of skin tones, ensuring the right balance for each subject. 4. Depending on the specific model or lighting situation, I may introduce additional colours to modify the base tone. For instance, I sometimes use green or purple tones to reflect light on the face. This approach ensures that each skin tone feels authentic, dynamic and reflects the individual’s unique characteristics. 5. I choose different palettes for different scenarios. In my studio, I mainly use a few key colours, relying on a limited palette of just six colours. These colours include Cadmium Yellow, Yellow Ochre, Cadmium Red or Vermilion, Ultramarine Blue and Neutral Tint. These colours are my main choices when I do portraits and figurative works because they can create a vast variety of tones, allowing me to mix almost any colour I need.
Asanka Anujeewa
Het schilderen van huidtinten
1. Het is belangrijk om te onderkennen dat huidtinten geen enkele kleur zijn; ze omvatten een spectrum dat wordt beïnvloed door het licht en de omgeving. Gereflecteerde kleuren uit kleding of omgevingslicht kunnen bijvoorbeeld subtiel zijn en veranderen het uiterlijk van de huid, dus ik let goed op deze nuances soms met een vleugje overdrijving om de levendigheid en stemming van het schilderij te versterken .
2. Ik houd ook rekening met de natuurlijke variaties in verschillende gebieden vanhet gezicht. De oren vertonen bijvoorbeeld vaak een roodachtige tint vanwege hun doorschijnendheid, terwijl de warmte van de wangen van personen met een lichtere huidskleur zichtbaar kunnen zijn. Bovendien kan een pas geschoren huid bij mannen blauwachtig of blauwachtig aan het licht brengen groenachtige tinten onder het oppervlak, die ik zorgvuldig verwerk in mijn werk.
3. Bij het mengen van huidtinten in aquarel begin ik met het creëren van een evenwichtige oranje tint door een combinatie van geel en rood. Deze sinaasappel serveert als startpunt. Van daaruit voeg ik een kleine hoeveelheid blauw toe om een donkerder kleur te krijgen, waardoor het een meer bruinachtige tint krijgt. Als ik een meer roodachtige of gelige tint wil, pas ik de hoeveelheden rood of geel dienovereenkomstig aan, op basis vanop de huid waar ik naar verwijs. Deze eenvoudige methode om verhoudingen te wijzigen maakt mogelijk om een grote verscheidenheid aan huidtinten te produceren, waardoor de juiste balans wordt gegarandeerd voor elk onderwerp.
4. Afhankelijk van het specifieke model of de verlichtingssituatie, kan ik voorstellen extra kleuren om de basistoon te wijzigen. Soms bijvoorbeeld gebruik ik groene of paarse tinten om licht op het gezicht te reflecteren. Deze aanpak zorgt ervoor dat elke huidskleur authentiek, dynamisch aanvoelt en de unieke kenmerken van het individu.
5. Ik kies verschillende paletten voor verschillende scenario’s. In mijn atelier gebruik ik voornamelijk een paar sleutelkleuren, vertrouwend op een beperkt palet van slechts zes kleuren. Deze kleuren omvatten cadmiumgeel, gele oker Cadmiumrood of Vermiljoen, Ultramarijnblauw en Neutrale Tint. Deze kleuren werken omdat ze een grote verscheidenheid aan tonen kunnen creëren, waardoor ik bijna elke kleur kan mengen die ik nodig heb.
