Hoe kun je keuzes maken die spontaan zijn, maar toch doorwerken in het schilderij?
1. Breng willekeur in – vreemde markeringen, nieuwe hulpmiddelen, interessante kleuren MAAR
2. Zoek ook een manier om wat je doet te verbinden met wat er al op de pagina staat. Verbind dat vreemde nieuwe teken door het een vergelijkbare/dezelfde kleur te geven als een dominante kleur in het schilderij. Voeg een heldere nieuwe tint toe, maar zorg ervoor dat de tekens vergelijkbaar zijn met of naast andere vormen of penseelstreken op de pagina staan.
Ik noem dit contrast en correlatie. Verschillend, maar toch op de een of andere manier verbonden.
En vergeet niet: er zijn geen foute antwoorden! Wat je kiest is misschien niet je favoriet, maar dat is geen garantie dat een andere keuze beter zou zijn geweest. Blijf bij je keuzes en let op hoe ze het schilderij beïnvloeden.
In de mini-workshop van december gebruik ik enkele van die Yukon-herinneringen en foto’s om je enkele strategieën te laten zien voor het ontwikkelen van je eigen prachtige bergscène terwijl je onderweg een paar ontwikkelingsstukken maakt. Mijn doel is dat je deze strategieën kunt gebruiken en aanpassen om je eigen locaties en herinneringen te gebruiken om ook schilderijen te maken.
Naast de twee complete schildersdemo’s zie je ook dat ik twee andere schilderijen ben begonnen die in de werkplaats niet zijn opgelost. Dit is een nauwkeurige weergave van mijn proces en ik wilde de minder bevredigende versies opnemen, zodat je kunt zien dat niet alles wat ik schilder naar mijn zin blijkt te zijn!
December
Neem de tijd om na te denken over wat je aan de scène hebt herinnerd voordat je de foto echt bestudeert. Laat je eerste indrukken een indicatie zijn voor waar je je in je schilderij op moet richten
We gaan naar bergen kijken. En ik wil je wat strategieën laten zien. Je weet dat ik altijd over strategie ga. Hoe kun je de verschillende onderdelen van mijn proces nemen en omzetten in strategie om je eigen schilderijen te ontwikkelen?
00:56 Dus wat ik in deze workshop wil doen, we hebben een paar doelen. We willen een prachtig berglandschap schilderen. Maar ik wil ook enkele ontwikkelingsstukken samenbrengen.
01:05 Ik wil het benaderen zoals we dat misschien in een schetsboek zouden doen: proberen de sfeer van de omgeving vast te leggen. En ik wil het ook op een heel vereenvoudigde manier vastleggen, als die herinnering, die aanwijzing dat je niet elk detail uit je referentiefoto hoeft te persen. Omdat we willen kijken naar de geest van het onderwerp, in plaats van het gewoon in rigide detail te schilderen.
01:27 En controle. Dus ik wil beginnen met ernaar kijken met die mindset van, weet je, misschien een schetskunstenaar zijn en een schetsboekstudie maken om een sfeer mee te nemen in je grotere schilderij dat je later in het atelier zou voltooien. En dan dat hele toestemmingsproces van het vinden van een minimalistische of vereenvoudigde manier om het onderwerp te schilderen. Zodat je je echt vrij voelt om te bewerken, en het onderwerp vroeg vereenvoudigen kan een goede manier zijn om jezelf eraan te herinneren waar je tijdens het proces op wilt focussen.
01:59 Ik wil je aanmoedigen om na te denken over je eigen favoriete locaties, favoriete referentiefoto’s, favoriete plekken om te bezoeken en hoe je deze inhoud, de principes en technieken die ik laat zien, kunt aanpassen aan je eigen prachtige lokale omgeving of misschien een reis die je wilt herdenken in een schilderij. Dus kijk naar je referentiefoto’s.
02:19 Denk na over hoe je deze inhoud zou kunnen aanpassen, maar begin gewoon door met me mee te doen. Ik heb referentiefoto’s toegevoegd om je te helpen. Ik merk dat wanneer ik reis en terugdenk aan de foto’s die ik in de loop van het jaar heb genomen,
02:32 Er altijd een paar zijn die in mijn geheugen blijven hangen, en dat zijn degene waar ik graag aan denk. Wanneer ik nadenk over wat ik hierna wil schilderen. Welke momenten die in mijn foto’s zijn vastgelegd, springen er voor mij uit?
02:43 Welke herinneringen wil ik uitbeelden wanneer ik denk aan al die foto’s die ik tijdens mijn reis heb gemaakt. Welke zou ik het meest waarschijnlijk aan iemand willen laten zien als ik er maar één kon tonen?
02:53 En dus heeft deze kleine video voor mij gewoon een prachtige geest van mijn reis vastgelegd. De dingen die me echt omver bliezen of me deden verlangen mijn omgeving te koesteren. En dus, weet je, er zijn een handvol beelden die ik geweldig vind.
03:08 Maar deze hoort er absoluut bij, en dus weet ik dat het een heel goede bron is om op te steunen wanneer ik nadenk over het maken van een schilderij. Dus ik probeer daar altijd eerst naartoe te gaan voordat ik daadwerkelijk naar mijn referentiefoto’s kijk. Ik probeer te bedenken welke ik me herinner die eruit springt en probeer te onthouden waarom. Wat eraan viel me zo op?
03:27 Want zodra je naar die referentiefoto staart, kan er een detail zijn waar je je op fixeert, in plaats van te denken aan de emotie, het kleurenpalet, de specifieke kadrering van het onderwerp waar je door werd aangetrokken, of de manier waarop je voorbij de voorgrond naar de verte keek. Het herinneren van die dingen kan echt nuttig zijn. Dus laten we dat gewoon gaan verkennen in onze schetsboeken.
schetsboekoefening
Hoe krijg je ze op een vel papier? Met die kleurrijke gouden tinten van het onkruid beneden had je zo’n mooie voorgrond, en dat betekende dat de bergen wat minder scherp hoefden te zijn, maar toch heel krachtig in het schilderij. Dat trekt me erg aan.
na 8 min
- Referentiebeeld: gebruik een screenshot uit de video als uitgangspunt, maar onthoud de sfeer en context van de hele opname.
- Voorgrond: kleurrijke onkruiden en bloemen geven een sterk contrast en maken de bergen minder scherp maar toch krachtig.
- Negatieve vormen: begin met de silhouetten van de bergen en horizonlijnen om de compositie neer te zetten.
- Artistieke vrijheid: bloemen en onkruid zijn vaak klein op foto’s; vergroot of benadruk ze om hun impact te behouden.
- Schetsboekmodus: krasserige lijnen en snelle studies helpen om ideeën te verkennen zonder druk op perfectie.
- Kleuren: experimenteer met levendige tinten zoals turquoise of gemengde roze‑violet voor wilgenroosje (fireweed).
- Iconische elementen: kies één opvallend detail (bijv. bloemen, licht, kleur) en zet dat centraal in je schets.
- Atmosfeer: bergen in de achtergrond zijn gedempt; gebruik kleur en toon om een atmosferisch effect te creëren.
👉 Kortom: gebruik je schetsboek om te spelen met vormen, kleuren en sfeer, benadruk wat jou persoonlijk raakte in de omgeving, en neem de vrijheid om te overdrijven of te vereenvoudigen zodat je schilderij de emotie van je herinnering weergeeft.
Aquarel Schilderen Technieken
– Van voor naar achter werken, overlappende elementen.
– Vereenvoudigen door ‘meer met minder’ te doen.
– Experimenteren met scherpe versus zachte randen.
Kleurentheorie in landschapsschilderkunst
– Gebruik van de algehele kleur voor atmosferisch effect.
– Bergvlakken die licht en aangrenzende kleuren reflecteren.
– Warmte door zonlicht, koelte door hemellicht.
Artistiek proces en redactie
– Schetsen behandelen als ruwe concepten voor ideeën.
– Bewerken als polijsten en verwijderen van onnodige elementen.
– Vereenvoudigen om herhaling van fouten te voorkomen.
Schetsboek en materialen
– Met behulp van een 100% katoenen Fabriano papieren schetsboek.
– Coval schetsboek, handgemaakt in Polen.
– Schetsboek gebruikt voor reisgegevens in Italië en Griekenland.
in de flow
halverwege
eind
Het document beschrijft een watercolor-oefening die bedoeld is om in een staat van flow te komen. De kunstenaar legt stap voor stap uit hoe je met een brede kwast, veel water en verschillende pigmenten (zoals blauwviolet, kobaltblauw, burnt sienna, cascade green, marsgeel) kunt spelen op aquarelpapier. Het gaat niet om het maken van een afgewerkt schilderij, maar om het onderzoeken van mogelijkheden en het loslaten van controle.
Belangrijke technieken die genoemd worden:
- Gebruik van een brede kwast en veel pigment om rijke kleuren te krijgen.
- Het laten vloeien van water en pigment om onverwachte vormen en randen te creëren.
- Het inzetten van hulpmiddelen zoals een spuitfles, pipet of zelfs zout om textuur en bloei-effecten te krijgen.
- Het werken met “curiosity edges”: randen die variatie en nieuwsgierigheid oproepen.
- Het optillen van pigment met keukenpapier om lichte plekken of suggesties van vormen te maken.
- Het verbinden van boven- en onderkant van het schilderij door kleuren en lijnen te herhalen.
- Het experimenteren met extra materialen zoals oliepastel om witte accenten of takjes te suggereren.
De nadruk ligt op experimenteren, spelen en observeren hoe water en pigment samenwerken. Het doel is niet direct een realistisch landschap, maar het ontdekken van mogelijkheden en inspiratie voor een latere, meer uitgewerkte schildering.
Samenvatting
- 🎨 Doel: In een staat van flow komen door een aquarel-oefening.
- 🖌️ Materialen: Brede kwast, aquarelpapier, pigmenten (blauwviolet, kobaltblauw, burnt sienna, cascade green, marsgeel), water, spuitfles, pipet, zout, keukenpapier, oliepastel.
- 🌊 Technieken:
- Rijke kleur mengen en laten vloeien.
- Water toevoegen of wegnemen voor effecten.
- Bloei-effecten creëren met extra water of zout.
- Variabele randen (“curiosity edges”) maken.
- Lichte plekken optillen met keukenpapier.
- Kleuren en lijnen verbinden tussen boven- en onderkant van het schilderij.
- 🌿 Experimenten: Toevoegen van groene en gele tinten, suggesties van bloemen en takjes, witte accenten met oliepastel.
- ✨ Resultaat: Geen afgewerkt schilderij, maar een speelse verkenning die leidt tot inspiratie, nieuwe ideeën en mogelijkheden voor verdere uitwerking.
perspectief
Hoe dichter bij de horizon hoe verder weg
Bij bergen echter: hoe hoger hoe verder weg
De kunstenaar bespreekt hoe je een landschap en je referentiefoto beter kunt begrijpen bij het schilderen. Het gaat om een berglandschap zonder duidelijke horizonlijn, maar wel met een scheiding waar de bergen de weg raken. Er wordt uitgelegd hoe je voorgrond, middenplan en achtergrond kunt onderscheiden: struiken dichtbij, een smalle strook die snel wegloopt naar de boomlijn, en de bergtoppen als verste elementen.
Belangrijke punten:
- Voorgrond kan de achtergrond onderbreken (takken en bladeren die hoger in beeld komen).
- De horizonlijn is meestal waar de verste objecten zich bevinden. In dit geval zijn dat de bergtoppen.
- Atmosfeer en lichtdeeltjes beïnvloeden kleur en detail:
- Verre bergen zijn bleker en blauwer.
- Dichterbij zie je warmere kleuren (groenen, aardetinten, violette schaduwen).
- Bij landschappen met een duidelijke horizonlijn bewegen elementen op de grond naar die horizon, terwijl wolken in de lucht van bovenaf weg bewegen.
- Er is verschil tussen éénpuntsperspectief (alles beweegt naar één punt) en tweepuntsperspectief (grond en lucht bewegen in verschillende richtingen).
- Voor schilderen is het belangrijk om afstand te suggereren:
- Verre elementen minder detail en koelere kleuren.
- Nabije elementen meer detail en warmere kleuren.
- Als een schilderij vlak oogt, kan dat komen doordat je te veel detail of te warme kleuren hebt gebruikt in de verre elementen.
Samenvatting
- 🎨 Onderwerp: Begrip van landschap en referentiefoto’s bij schilderen.
- 🏔️ Structuur: Voorgrond (struiken, onkruid), middenplan (boomlijn, weg), achtergrond (bergen).
- 🌫️ Afstand:
- Verre bergen = koel blauw, weinig detail.
- Dichterbij = warmere kleuren, meer detail.
- 📐 Perspectief:
- Eénpuntsperspectief: alles beweegt naar één punt.
- Tweepuntsperspectief: lucht en grond bewegen in verschillende richtingen.
- ✨ Praktisch advies:
- Gebruik kleur en detail bewust om diepte te creëren.
- Let op atmosferische effecten (lichtdeeltjes, nevel).
- Controleer of je niet te veel detail in verre elementen legt.
strategieonwikkeling: reflectie op het proces
De maker reflecteert op zijn schilderproces en eerdere werken. Hij merkt op dat sommige delen speels en vrij aanvoelen, maar dat de bergen vaak zwak of onzeker geschilderd zijn. Hij wil strategieën ontwikkelen om juist die zwakke plekken te verbeteren in plaats van ze te vermijden. Hij benadrukt het belang van experimenteren, vrijheid signaleren (bijvoorbeeld door te starten op een “vuile” of gebruikte pagina), en vertrouwen op het creatieve flow‑proces in plaats van te veel rationeel te analyseren.
Hij bespreekt technische aspecten zoals het niet meer hoeven opspannen van aquarelpapier, het gebruik van grote penselen, vocht en watermerken, en het mengen van kleuren (violet, blauw, bruin) om diepte en textuur in bergen te creëren. Hij ziet de parallellen tussen de vloeibaarheid van water en het schilderen van natuurlijke vormen. Het doel is om in de eerste laag al zoveel mogelijk schoonheid en energie te leggen, zodat de rest van het schilderij licht en eenvoudig kan blijven. Uiteindelijk wil hij grotere formaten gebruiken om meer horizontale beweging en vrijheid te ervaren.
Samenvatting
- Reflectie: De schilder ziet sterke en zwakke punten in eerdere werken; bergen voelen vaak onzeker.
- Strategie: Niet vermijden maar juist oefenen op zwakke plekken om ze tot sterke elementen te maken.
- Vrijheid: Starten op gebruikte/“vuile” pagina’s geeft psychologische ruimte om te experimenteren.
- Flow: Vertrouwen op creatieve instincten in plaats van te veel rationele analyse.
- Techniek: Gebruik van aquarelpapier zonder opspannen, grote penselen, watermerken, en kleurmengingen (violet, blauw, bruin).
- Doel: Schoonheid en energie vooral in de eerste laag leggen, eenvoud en zachtheid behouden.
- Vooruitblik: Werken op groter papier om meer ruimte en beweging in het schilderproces te krijgen.
strategieontwikkeling: opschalen
De spreker beschrijft een aquarelproces. Hij begint met een eerste laag in lapis brown en voegt daarna cobalt en water toe om een horizonachtige band van bomen te creëren. Het spel van natte verf en water bepaalt hoe de kleuren vloeien. Vervolgens gebruikt hij cascade green en Mars yellow, waarbij hij experimenteert met het verbinden van kleuren en het laten ontstaan van onverwachte effecten.
Hij benadrukt dat het belangrijk is om mee te bewegen met de verf in plaats van ertegen te werken, en dat factoren zoals de vochtigheid van penseel en papier cruciaal zijn. Het schilderen is deels gebaseerd op een referentiefoto, maar hij moedigt aan om het schilderij ook zijn eigen richting te laten nemen, zelfs richting abstractie.
De schilder reflecteert op zijn proces: soms voelt hij frustratie of verlies van perspectief, wat een teken is om te pauzeren. Toch ziet hij waarde in experimenteren, strategieën uitproberen en openstaan voor chaos en onverwachte resultaten. Uiteindelijk merkt hij dat zijn inspiratie vaak richting abstracte landschappen gaat, en dat dit misschien wel zijn ware artistieke stem is.
- Start: Eerste laag met lapis brown, cobalt en water → horizon/boomlijn.
- Techniek: Kleuren laten vloeien, penseel en water sturen het proces.
- Experiment: Cascade green, Mars yellow, warme en donkere tinten toevoegen.
- Filosofie: Vertrouw het proces, werk mét de verf, niet ertegen.
- Reflectie: Soms frustratie en twijfel, maar strategieën testen is essentieel.
- Conclusie: Het schilderij hoeft niet realistisch te zijn; abstracte landschappen en onverwachte effecten kunnen juist meer zeggingskracht hebben.
dynamische versie
De schilder beschrijft zijn proces en gevoelens tijdens het werken met aquarel. Hij ervaart soms angst en onzekerheid, omdat hij niet precies weet wat hij doet, maar ontdekt schoonheid wanneer hij die controle loslaat. Hij gebruikt lapis brown en een mini-mister met horizon blue, waardoor subtiele effecten ontstaan. Het pigment scheidt zich en levert interessante kleuren op.
Hij kiest ervoor om minder details te schilderen (slechts één bergtop) en meer water en spray te gebruiken om de verf te laten vloeien. Het proces draait om experimenteren en loslaten van strategieën. Hij speelt met bloemen en groen (cascade green), maar laat bewust witruimte staan voor balans.
Na ongeveer 8 minuten voelt hij dat het schilderij levendiger is dan eerdere pogingen, dankzij eerdere oefening en experimenten. Hij benadrukt dat aquarel vaak berust op gelukkige toevalligheden en dat overwerken soms onvermijdelijk is, maar ook een teken van plezier. Na 12 minuten voelt hij dat het schilderij bijna af is, met nog ruimte voor details zoals extra onkruid of contouren. Hij vertrouwt op het natuurlijke proces van water en pigment en ziet de textuur en spetters als mogelijk waardevol.
Tot slot benoemt hij dat het gebruik van de sprayfles hem vrijheid gaf en een lichte, atmosferische ondertoon toevoegde. Hij wil later met frisse ogen terugkijken en analyseren wat werkt.
samenvatting
Start: Onzekerheid → loslaten van controle → schoonheid ontdekken.
Techniek: Lapis brown, horizon blue spray, veel water → vloeiende effecten.
Aanpak: Minder details, meer experiment, witruimte bewaren.
Reflectie: Na 8–12 minuten levendig resultaat, dankzij eerdere oefening.
Filosofie: Watercolor = gelukkige toevalligheden; overwerken mag als je plezier hebt.
Conclusie: Sprayfles gaf vrijheid en energie; schilderij voelt bijna af, met ruimte voor verdere verfijning.
gouache details
De spreker bespreekt een schilderij dat nog wat onaf voelt. Hoewel de aquarel mooie texturen heeft, mist het een duidelijk punt waar het oog kan rusten. Daarom voegt hij details toe met gouache (dekkende verf), zoals bladeren en lichte accenten. Gouache kan lagen vormen en wordt vaak gebruikt door animators. Het verschilt sterk van aquarel omdat het opaak is, wat soms zwaar kan ogen, maar het kan ook een aanvulling zijn op transparante aquarel.
De spreker experimenteert met verschillende kleuren (cascade green, wisteria, cobalt blue, umber, lavendel, golden ochre) en technieken zoals lijnwerk, markeringen en het mengen met water om vloeiende of juist scherpe randen te krijgen. Hij benadrukt dat subtiele toevoegingen voldoende zijn om definitie te geven zonder het schilderij te overladen met details.
Daarnaast noemt hij alternatieve materialen zoals neocolor-krijtjes en moedigt hij aan om te spelen en te experimenteren. Het belangrijkste inzicht is dat schilderen een proces van ontdekken is: door veel te oefenen en te experimenteren ontstaan vaak onverwachte en magische resultaten. Het gaat erom het schilderij te laten groeien en open te staan voor wat er spontaan gebeurt op het papier.
samenvatting
Het schilderij voelt onaf en mist een rustpunt voor het oog.
Oplossing: details toevoegen met gouache of alternatieve materialen.
Gouache is dekkend, kan lagen vormen en geeft definitie, maar voelt anders dan aquarel.
Kleuren en technieken: cascade green, wisteria, cobalt blue, umber, lavendel, golden ochre; lijnwerk en markeringen.
Subtiele accenten zijn genoeg om het schilderij af te maken.
Experimenteren en spelen met materialen leidt vaak tot onverwachte en mooie resultaten.
Belangrijkste les: laat het schilderij zich ontwikkelen, vertrouw op het proces en de magie van het onverwachte.
reflectie en ontwikkeling
- Belangrijk inzicht: schilderen is zowel toevoegen als weglaten; witruimte en eenvoud laten aquarel stralen.
- Vandaag: voorgrond verfijnen én intuïtief experimenteren.
👉 Essentie in één zin: Schilderen is balanceren tussen toevoegen en loslaten, waardoor aquarel levendig en intuïtief wordt.
De spreker bespreekt verschillende gele en okerkleuren in aquarelverf (zoals raw sienna, mars yellow, yellow ochre, gold ochre, transparent yellow oxide). Hij merkt op dat kunstenaars vaak lijsten met specifieke merken en kleuren geven, maar dat je niet altijd nieuwe tubes hoeft te kopen: vaak kun je bestaande kleuren gebruiken die vergelijkbare eigenschappen hebben.
Hij vergelijkt merken zoals Daniel Smith, Winsor & Newton, Core, Sennelier en legt uit dat verschillen ontstaan door bindmiddelen (bijvoorbeeld aquazol bij Core, honing bij Sennelier) en de manier waarop pigmenten worden gemalen. Dat beïnvloedt de helderheid, transparantie en textuur van de verf.
Sommige tubes drogen uit of zijn moeilijk te hydrateren; hij beschrijft hoe je ze kunt openen, rehydreren met water of soms met bindmiddelen zoals gom arabicum. Hij test de kleuren naast elkaar en ziet duidelijke verschillen: sommige zijn bruiner, andere lichter of meer oranje/geel. Toch gebruikt hij ze vaak interchangeably, afhankelijk van de gewenste kwaliteit (buttery, creamy, earthy).
Belangrijk is om te letten op de eigenschappen van kleur (transparant, opaak, warm, koel, textuur) in plaats van op de exacte naam. Zo kan een gold ochre prima een mars yellow vervangen, mits je de omliggende kleuren aanpast.
markeringen
soort sheet met uitsparingen, zodat je kunt uitwassen
De spreker reflecteert op het schilderproces na het kleuronderzoek. Hij begint te werken met Mars Yellow, hydrateert zijn palet en benadrukt dat oude pigmentresten soms juist interessante textuur geven. Vervolgens voegt hij een tweede laag toe met markeringen, spatten en nuances van violet en groen om diepte en gelaagdheid te creëren.
Hij waarschuwt voor te veel controle: schilderijen moeten natuurlijk en moeiteloos aanvoelen. Daarom gebruikt hij variatie in penselen, spatten en minimalistische markeringen om een gevoel van beweging en lichtheid te behouden. Hij experimenteert met transparantie door verf op te tillen en gebruikt hulpmiddelen zoals een stencil en een magic eraser om lichte vormen terug te brengen en verbindingen te maken tussen elementen.
Het proces draait om de balans tussen toevoegen en weglaten. Hij benadrukt dat het moeilijk is te stoppen: er is altijd de verleiding om meer details toe te voegen. Toch kan een schilderij juist krachtig zijn wanneer het “bijna af” is en niet volledig uitgewerkt. Het schilderij blijft open voor herziening en experiment, en de waarde ligt vaak in het uitproberen van strategieën en het spelen met richting, lijnen en verbindingen.
proces koppelen aan resultaat
De spreker wil meer vorm en diepte in zijn bergen brengen. Het schilderij fungeert als oefenterrein voor technieken, maar levert ook mooie en onverwachte effecten op. Hij mengt kleuren (Prussian blue, burnt sienna, violet, onderzeegroen) om schaduwen en variaties te creëren. Daarbij vergelijkt hij vormen met continenten en eilanden: interessante contouren die het oog plezier geven.
Door schaduwen en zachte overgangen toe te voegen, ontstaat diepte: lichte delen komen naar voren, donkere delen verdwijnen naar achteren. Hij gebruikt verschillende penselen, water om randen te verzachten, en kleine verticale lijnen om bomen te suggereren. Belangrijk is de balans tussen sterke contouren (die aandacht trekken) en zachtheid (die natuurlijkheid bewaart).
Hij corrigeert een wit vlak met een subtiele kleur, benadrukt dat details altijd de relaties in het schilderij veranderen, en besluit uiteindelijk te stoppen. Het schilderij voelt af, ook al zijn sommige delen onaf of vrij gelaten. Dat geeft hem een gevoel van vrijheid. De bergen hebben nu meer vorm dankzij de schaduwen, en het proces was een spel van subtiele aanpassingen en het verzachten van randen.
samenvatting
Doel: bergen meer vorm en diepte geven met schaduwen en kleurmengingen.
Strategie: gebruik van contouren als “eilanden/continenten”, lichte delen naar voren, donkere naar achteren.
Technieken: verzachten van randen, variatie in penselen, kleine lijnen voor bomen, corrigeren van witte vlakken.
Belangrijk: balans tussen sterke lijnen en zachte, natuurlijke effecten.
Resultaat: subtiele veranderingen, meer vorm in de bergen, maar ook vrijheid door onafheid.
projectevaluatie
state of flow versie
dynamische versie
De kunstenaar komt na enkele uren terug bij zijn schilderij en is positief verrast: ondanks eerdere onzekerheid werkt de gekozen strategie goed en geeft de compositie een fijne flow. Hij benadrukt dat je jezelf moet vertrouwen en later met frisse ogen naar je werk moet kijken.
Hij wijst erop dat randen en clipsporen vaak verdwijnen onder een lijst of passe-partout, waardoor de buitenste kwart inch van het papier niet zichtbaar is. Kleine storende spatten kan hij verzachten of wegwerken met een transparante wash.
Het schilderij hoeft niet altijd tot een “af” werk te worden ontwikkeld; het kan ook een speelveld voor experiment zijn. Hij ziet het als een proces van vragen stellen, uitproberen en verbinden van losse elementen. Soms ontstaan nieuwe ideeën door eerdere lagen of texturen te combineren en te herinterpreteren.
Hij benadrukt dat experimenteren vrijheid geeft: een geslaagd schilderij kan ruimte scheppen om risico’s te nemen in andere werken binnen dezelfde serie. Uiteindelijk gaat het om balans, spel tussen vormen, kleuren en texturen, en het zoeken naar nieuwe manieren om een onderwerp te interpreteren.
- Terugkijken met frisse ogen kan onzekerheid wegnemen en verrassend positieve resultaten tonen.
- Randen en kleine spatten zijn minder belangrijk omdat ze vaak verdwijnen bij inlijsten.
- Een schilderij hoeft niet altijd “af” te zijn; het kan ook een experimenteel speelveld blijven.
- Proces = vragen stellen, experimenteren, verbinden van losse elementen.
- Een geslaagd werk geeft vrijheid om risico’s te nemen in andere schilderijen.
- Kern: balans en vernieuwing door spel met vormen, kleuren en texturen.